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     Una aproximación a mi enfoque artístico en tres puntos acompañados de preguntas clásicas:

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     Las palabras se escriben, pintarlas me parece ya una dificultad que intentaré aclarar.

Autodidacta en su totalidad, con el tiempo, evoluciono hacia pretensiones de exposición más importantes. No vivo de mi actividad artística, pasión que ejerzo con pragmatismo, mi principal enfoque es la búsqueda de visibilidad. Busco lugares de exposición para conocer, intercambiar, someterme a la crítica del público. Es una forma de avanzar. La venta es un acto accesorio con el que no siento ambición obsesiva. Las ventas muy ocasionales me permiten hacer que el costo de mi pasión sea casi invisible.

     Realizo, en promedio, dos o tres exposiciones al año. La respuesta del público es positiva. Es una alegría especial, incluso un orgullo, cuando los jóvenes dicen que les gustan mis cuadros. Su mirada espontánea, libre de códigos, me toca profundamente y me confirma en la idea de que el Arte es un lenguaje internacional e intergeneracional.

     « GALLVS » es un seudónimo. Es útil cuando no se quiere mostrar la identidad. También es una forma de desprenderse del « yo », de tomar distancia con el ego, la conciencia, la intimidad y de poner todo en escena en una entidad espejo. No se trata de un desdoblamiento de personalidad, sino de altura, de distancia intelectual.

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     DE QUÉ SE TRATA

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     • ¿Qué intento decir con mi trabajo?

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Menos afirmar, intento presentar la imagen como una invitación silenciosa y abierta.Me digo que este trabajo, que no es un trabajo en tanto que me proporciona realización y felicidad, es más bien un trabajo filosófico y filantrópico.Es un formidable medio para establecer contactos y una forma de hacer que los visitantes hablen en lugar de pretenderlo.La pintura es para mí una reflexión sobre lo que siento, estimulada por otra mirada.

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     • ¿De qué tratan mis obras?

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              Los temas elegidos no son polémicos ni son los más inocuos. Generalmente se trata de escenas de la vida urbana o rural. La situación cotidiana, suficientemente ansiógena, me lleva a erigir un muro de serenidad. Quiero construir un momento entre el visitante y él mismo, hacer que viaje, llevarlo a un mundo de sensibilidad y paz interior. Pero también es un desafío. Al igual que una naturaleza muerta, ¿cómo hacer que una imagen de un día cualquiera se convierta en un testimonio interesante? Es un tema de preocupación para mí: la elección de la escena, de un momento de la vida en el que tengo la suerte de encontrarme. Me gusta mucho España por su arquitectura, la saturación de su luz.

     Mi práctica pictórica se basa en la exploración de la realidad transformada sutilmente. Trabajo principalmente con óleo, basándome en un proceso fotográfico previo. Se trata de escenas de la vida elegidas de manera discreta que me parecen revestir cierta poesía. El tiempo y el espacio me interpelan como una conexión visual. Percibo «algo» aquí, ahora. Solo tengo a menudo una o dos segundos para usar mi teléfono móvil, que utilizo como un pescador su caña. Y cuando la suerte me sonríe, sé que he captado algo.

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     La pintura se convierte entonces en una segunda mirada, una reescritura visual del mundo. No busco reproducir fielmente la fotografía, aunque me esfuerzo por conservar lo esencial, sino que elimino lo que me parece que parasita el tema y extrapolo el diseño. El paso del digital al pictural me permite congelar el tiempo, reintroducir la materia, el gesto, y cuestionar nuestra relación con la imagen en una sociedad saturada de vídeos tan instantáneos como efímeros. Es sobre todo el confort de explotar la foto en bruto. Y como un escultor, extraer de un bloque de mármol, una representación personal. Me interesa el tiempo en un mundo apresurado.

     Mis composiciones se inscriben en la figuración; lo abstracto es para mí una herramienta gráfica, no un fin. Además, «mis desgarros», como los llamo, hacen nacer o invitan a veces a otras formas figurativas. Este vaivén entre la realidad aparente y la falsa ficción oculta, entre la captación y la recreación, me permite jugar con la subjetividad de la mirada y la forma en que construimos nuestros propios relatos visuales. Con ambición, siempre espero despertar al niño del visitante, que se manifieste al redondear repentinamente sus ojos o que muestre su dedo índice acompañado de un «¡Mira!»

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     ¿POR QUÉ LO HAGO?

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     Lo que me impulsa es congelar lo que inevitablemente va a desaparecer: un rayo de luz, una postura, una atmósfera. Al pintar a partir de imágenes modificadas, intento fijar lo que en la vida no deja de pasar, como una forma de resistir al olvido, no por nostalgia, sino en el espíritu del trabajo de nuestros ilustres antepasados, pintar la memoria de los hombres. Es un trabajo de historia tanto como un mensaje, un testimonio para las generaciones futuras.

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     • ¿Quién ha influido en mi trabajo?

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     Mi lenguaje pictural se alimenta de múltiples influencias, cuya fuente es, por supuesto, mi juventud: la libertad gestual y luminosa de los impresionistas, la narrativa gráfica de los cómics... Más los imprevistos difíciles que cada uno encuentra en su vida. Estos elementos han moldeado mi firma gráfica, sensible y estructurada, donde el color dialoga con el trazo y cada composición cuenta un momento en silencio.

     Los impresionistas siguen enseñándome a captar el instante, a jugar con la luz y a dejar que la mirada respire. Por su parte, el cómic me transmitió el gusto por el encuadre, el ritmo visual y la tensión narrativa. Finalmente, los golpes del destino han inscrito en mi pintura una forma de sinceridad cruda, una voluntad de decir sin rodeos, pero con poesía. El aprendizaje es incesante. Cada pintura es una puesta en cuestión mezclada con emoción y estrés, es una nueva cita, un nuevo desafío. Es una buena escuela de humildad.

     El otro motor es la coyuntura social contemporánea cegada por conflictos, tonterías y violencia. El arte conduce a la reflexión, oxigena el espíritu, inspira a la juventud, habla a personas que no piden nada. A veces se levanta con todo su silencio. Es un importante vector de apaciguamiento porque no impone nada, pero se ofrece libremente. Ex militar, aspiro a crear estas zonas pacificadas

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     • ¿A qué público van dirigidas mis telas?

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     Mi trabajo se dirige a todos, sin distinción alguna. Pinto para « mañana », independientemente de la edad, el recorrido o la sensibilidad. La universalidad es un principio central: quiero que todos puedan encontrar una emoción, una resonancia, una historia propia.

     No soy fan de las redes sociales. No paso mi tiempo en diferentes plataformas. Soy muy consciente de que son los inevitables vectores de comunicación, pero los encuentro consumistas de tiempo, superfluos y aburridos para la mayoría de ellos. Estoy presente en Meta e Instagram como « JM GALLVS », pero no cultivo mi promoción virtual. El encuentro humano es fundamental, auténtico, de ahí mi búsqueda de lugares físicos para montar lugares de encuentro entre el Arte y el Público.

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     ¿CÓMO LO HAGO?

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      Finalmente, pinto como construyo mis poemas: Más con la cabeza y el corazón, que son mis verdaderas manos. Sin embargo, los fundamentos de la construcción están arraigados en una disciplina que observo. Los principios de la perspectiva, la escala, las verticalidades y las horizontalidades son para mí reglas básicas. Quizás se trata de un atavismo paterno cuando trabajaba en las obras con él.

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     • ¿Cuáles son sus métodos de trabajo (soporte, estilo, decisiones formales, organización...)?

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      Generalmente utilizo lienzos de forma cuadrada en 3D. Cuadrado porque el formato me tranquiliza, representa para mí la igualdad de las direcciones. Después 3D porque también pinto los bordes. Esto da profundidad al cuadro como una invitación a continuar, también es una libertad: el marco se convierte en opcional. Se entra lentamente en el cuadro cuando uno se acerca a él y se sale suavemente cuando uno se aleja.

       Si algunos marcos embellecen una tela, para mí es un cerco, un ahogo, un atuendo tan pesado como inútil. Mis telas están desnudas porque la Naturaleza, la verdad, la ira, el Amor... en su manifestación lo están. Casi no utilizo más que aceites. La lentitud de su secado, la potencia de su vivacidad, la nobleza de su color, su longevidad... me corresponden.

También paso mucho tiempo observando mi progreso, criticando mis trabajos tanto como pintando, porque busco el error, la línea mal alineada en el origen de la perspectiva, la sombra y la luz mal acordadas, la proporción de un personaje en el espacio, las escalas imaginadas y las que se pueden suponer, la coherencia del conjunto, ... En eso radica mi amor por la fotografía y en que la utilizo como base. La foto no miente, es un buen punto de partida para un viaje interior.