GALLVS XXI
ECCO,
Un approccio alla mia ricerca artistica in tre punti accompagnati da domande classiche:
Le parole si scrivono, dipingerle mi sembra già una difficoltà che cercherò di chiarire.
Completamente autodidatta, col passare del tempo, mi sono evoluto verso pretese di esposizione più importanti. Non vivendo della mia attività artistica, passione che esercito con pragmatismo, la mia principale iniziativa è la ricerca di visibilità. Cerco luoghi di esposizione per incontrare, scambiare idee, sottopormi alla critica del pubblico. È un modo per andare avanti. La vendita è un atto accessorio con cui non provo ambizione ossessiva. Le vendite molto occasionali mi permettono di rendere il costo della mia passione quasi invisibile.
In media realizzo due o tre mostre all'anno. Il pubblico risponde positivamente.È una gioia particolare, quasi un orgoglio, quando dei giovani dichiarano di apprezzare i miei quadri.Il loro sguardo spontaneo, libero da codici, mi tocca mi ha profondamente confortato nell'idea che l'arte sia davvero un linguaggio internazionale e intergenerazionale.
« GALLVS » è uno pseudonimo. È utile quando non si vuole mostrare la propria identità. È anche un modo per staccarsi dal "sé", per prendere le distanze dal proprio ego, dalla propria coscienza, dalla propria intimità e per mettere tutto in scena in un'entità speculare. Non si tratta di una doppia personalità, ma di altezza, di distanza intellettuale.
1/ QUESTO È IL PUNTO ?
• Cosa sto cercando di dire con il mio lavoro?
Meno che affermare, cerco di porre l’immagine come un invito silenzioso e aperto. Penso che questo lavoro, che non è un lavoro in quanto mi procura appagamento e felicità, sia più un lavoro filosofico e filantropico. È un formidabile mezzo di incontro e un modo per far parlare i visitatori piuttosto che pretendere. Anche la pittura per me è una riflessione sul sentire stimolata da un altro sguardo.
• Di che cosa trattano le mie opere?
I temi scelti sono volutamente privi di polemiche o di natura banale. Si tratta generalmente di scene di vita urbana o rurale. La quotidianità, sufficientemente ansiogena, mi porta a costruire un muro di serenità. Voglio creare un momento tra il visitatore e se stesso, farlo viaggiare, portarlo in un mondo di sensibilità e pace interiore. Ma è anche una sfida. Come per un'opera di natura morta, come posso fare in modo che un'immagine di una quotidianità qualsiasi diventi una testimonianza interessante? È un argomento di preoccupazione per me: la scelta della scena, di un momento della vita in cui ho la fortuna di trovarmi. Apprezzo molto la Spagna per la sua architettura, la saturazione della sua luce.
La mia pratica pittorica si basa sull'esplorazione del reale, trasformato in modo sottile. Lavoro principalmente con l'olio, basandomi su un processo fotografico preliminare. Si tratta di scene di vita scelte in modo discrezionale che mi sembrano rivestire una certa poesia. Il tempo e lo spazio mi interpellano come una connessione visiva. Percepisco « qualcosa » lì, adesso. Ho spesso solo una o due secondi per usare il mio cellulare, che uso come un pescatore la sua canna. E quando la fortuna mi sorride, so di aver colto qualcosa.
La pittura diventa allora un secondo sguardo, una riscrittura visiva del mondo. Non cerco di riprodurre fedelmente la fotografia, anche se desidero conservarne l'essenziale, ma elimino ciò che ritengo possa disturbare il soggetto e lo estrapolo nel disegno. Il passaggio dal digitale al pittorico mi permette di bloccare il tempo, di reintrodurre la materia, il gesto, e di interrogare il nostro rapporto con l'immagine in una società satura di video tanto istantanei quanto effimeri. È soprattutto il comfort di sfruttare la foto allo stato grezzo. E come uno scultore, estrarre da un blocco di marmo una rappresentazione personale. Mi interessa il tempo in un mondo affrettato.
Le mio lavoro si inserisce nella figurazione; l'astratto è per me uno strumento grafico, non una fine. Tanto più che le "lacerazioni" che chiamo, fanno nascere o a volte invitano altre forme figurative. Questo va-e-vieni tra realtà apparente e falsa finzione nascosta, tra cattura e ricreazione, mi permette di giocare con la soggettività del punto di vista e il modo in cui costruiamo i nostri racconti visivi. Con ambizione, spero sempre di risvegliare l'aspetto infantile del visitatore, che si manifesta quando all'improvviso arrotonda gli occhi o mostra il suo indice accompagnato da un "Guarda lì!"
2/ PERCHÉ LO FACCIO?
Ciò che mi anima è bloccare ciò che inevitabilmente scomparirà: un raggio di luce, una postura, un'atmosfera. Dipingendo da immagini modificate, cerco di fissare ciò che nella vita non smette di passare, come un modo per resistere all'oblio, non per nostalgia, ma nello spirito del lavoro dei nostri illustri predecessori, dipingere la memoria degli uomini. È un lavoro di storia quanto un messaggio, una testimonianza per le generazioni future.
• Chi ha influenzato il mio lavoro?
Il mio linguaggio pittorico è nutrito da molteplici influenze, la cui fonte è chiaramente la mia giovinezza: la libertà gestuale e luminosa degli impressionisti, la narrazione grafica dei fumetti... Più le difficoltà che ognuno incontra nella propria vita. Questi elementi hanno plasmato la mia firma grafica, sensibile e strutturata, dove il colore dialoga con il tratto e ogni composizione racconta un momento in silenzio.
Gli impressionisti continuano ad insegnarmi a cogliere l'attimo, a giocare con la luce e a lasciare respirare lo sguardo. Il fumetto, invece, mi ha trasmesso il gusto del taglio, del ritmo visivo e della tensione narrativa. Infine, i colpi del destino hanno impresso nella mia pittura una forma di sincerità cruda, una volontà di dire senza mezzi termini, ma con poesia. L'apprendimento è incessante. Ogni dipinto è una sfida mescolata a eccitazione e stress, è un nuovo appuntamento, una nuova sfida. È una buona scuola di umiltà.
L'altro motore è la congiuntura sociale contemporanea accecata da conflitti, stupidità e violenza. L'arte porta alla riflessione, ossigena la mente, ispira la gioventù, parla a persone che non chiedono nulla. A volte si erge con tutto il suo silenzio. È un importante veicolo di distensione, poiché non impone nulla, ma si propone liberamente. Ex militare, desidero creare queste zone pacificate.
• A quale pubblico si rivolgono i miei quadri?
Il mio lavoro si rivolge a tutti, senza alcuna distinzione. Dipingo per "domani", indipendentemente dall'età, dal percorso o dalla sensibilità. L'universalità è un principio centrale: voglio che ognuno possa trovare un'emozione, una risonanza, una storia che gli appartenga.
Non sono un fan dei social network. Non passo il mio tempo su diverse piattaforme. Sono ben consapevole che sono i vettori di comunicazione inevitabili, ma li trovo dispendiosi in termini di tempo, ridondanti e banalizzanti per la maggior parte di loro. Sono presente su Meta e Instagram come "JM GALLVS" ma non coltivo la mia promozione virtuale. L'incontro umano è fondamentale, autentico, da qui la mia ricerca di luoghi fisici per creare luoghi di incontro tra Arte e Pubblico.
3/ COME LO FACCIO ?
Penso che dipinga come costruisco i miei poemi: più con la testa e il cuore, che sono le mie vere mani. Tuttavia, i principi fondamentali della costruzione sono radicati in una disciplina che osservo. Per me, i principi della prospettiva, della scala, delle verticalità e delle orizzontalità sono regole fondamentali. Forse è un atavismo paterno quando lavoravo nei cantieri con lui.
• Quali sono le vostre metodologie di lavoro (supporto, stile, decisioni formali, organizzazione...)?
Di solito uso tele quadrate in 3D. Poiché il formato mi rassicura, rappresenta per me l'uguaglianza delle direzioni. Successivamente 3D perché dipingo anche i bordi. Questo conferisce profondità al dipinto come un invito a proseguire, è anche una libertà: il quadro diventa opzionale. Si si avvicina lentamente al quadro, se ne allontana con dolcezza.
Se alcuni quadri vengono abbelliti, per me è un accerchiamento, un soffocamento, un abito pesante e inutile. I miei quadri sono nudi perché la Natura, la verità, la rabbia, l'Amore... nella loro manifestazione lo sono. Uso quasi solo oli. La lentezza del loro essiccamento, la potenza della loro vivacità, la nobiltà del loro colore, la loro longevità... mi corrispondono.
Passo anche molto tempo a guardare la mia progressione, a criticare i miei lavori tanto quanto a dipingere perché cerco l'errore, la linea non correttamente allineata all'origine della prospettiva, la luce e l'ombra mal accordate, la proporzione di un personaggio nello spazio, le scale immaginate e quelle che si possono supporre, la coerenza dell'insieme, … È in questo che amo la fotografia e che la utilizzo come base. La foto non mente, è un buon punto di partenza per un viaggio interiore.